Er moet geen twijfel over bestaan dat K. S. Stanislavsky een genie was. Anders zouden mensen in alle landen waar zijn theater op tournee was geweest, kaartjes kopen voor uitvoeringen in het Russisch 2-3 maanden voor de start? Het geheim van succes is hier in veel factoren, maar niet de laatste plaats daarin wordt ingenomen door de hoekstenen van het systeem dat door de grote leraar is gecreëerd - de kunst van representatie en de kunst van het ervaren, de afwijzing van de ene ten gunste van de andere en tegelijkertijd de balans daartussen. Toeschouwers, alleen bekend met het plot door het programma en meestal onwetend van de taal, vulden grote zalen om de voorstelling te bekijken, hoe de acteurs op het podium werken, hoe ze wennen aan de rol en emoties overbrengen.
In deze les zullen we het hebben over deze technologieën van acteren, proberen ze zo eenvoudig en duidelijk mogelijk te tonen aan alle geïnteresseerde, en ook aanbevelingen en oefeningen geven om onze eigen kunst van ervaring en prestaties te ontwikkelen.
Inhoudsopgave:
De kunst van het ervaren en de kunst van het uitvoeren als methoden van handelen
Het spel van de acteur kan worden gerealiseerd met behulp van 3 technologieën: ambacht, representatiekunst en ervaringskunst.
ambacht - Dit is een externe manifestatie van innerlijke gevoelens, een kant-en-klaar stempel, op basis waarvan elke kijker kan begrijpen welke emotie de acteur wil uitbeelden. Het is bijvoorbeeld absoluut duidelijk dat lopen van hoek naar hoek, onrust, verhoogde gebaren, frequente verandering van houding opwinding, ongeduld en nervositeit in een persoon veroorzaken, afhankelijk van de context.
Performance art - reproductie van kant-en-klare gevoelens, sjabloon, externe tekening van de rol. De essentie van de techniek is dat de acteur tijdens het werken aan zichzelf, onafhankelijke studies en repetities, echte emoties ervaart, deze onthoudt en op basis hiervan een vorm van hun manifestatie creëert. Tijdens de voorstelling gebruikt hij deze kant-en-klare vorm.
De kunst van het ervaren - techniek, wanneer de acteur elke keer echte gevoelens ervaart, intrinsieke motivatie en uitleg van de acties van zijn personage vindt en deze 'hier en nu' ervaart.
In feite zijn de kunst van het representeren en de kunst van het ervaren, als twee hoofdtrends, tegengestelde methoden. K.S. Stanislavsky verdeelde en analyseerde ze voor het eerst duidelijk, wat een grote invloed had op de ontwikkeling van acteren in de toekomst. Zij vormen de basis voor de constructie van zijn systeem, dat de hervorming van het theater betekende. Onderzoekers wijzen erop dat ten tijde van het maken van de theorie (begin van de 20e eeuw) het theater achteruitging, het publiek geleidelijk de interesse erin verloor. De regisseurs en acteurs geconfronteerd met een dilemma geboren uit een conflict van benaderingen. Feit is dat er in theatrale kringen een debat was over de essentie van het stuk van de kunstenaar en wat de aard ervan zou moeten zijn: rationeel of emotioneel geïnspireerd. De verdienste van Stanislavsky bij het oplossen van deze tegenstrijdigheid ligt in het feit dat hij een geïntegreerde aanpak ontwikkelde die beide opvattingen omvat. Hij bekritiseerde de prestaties voor de aanpak van vakmanschap, maar ondanks de opkomst van ervaring als een indicator voor acteren, had hij vertrouwen in hun relatie.
We zullen de verschillen tussen de twee scholen nader onderzoeken. De hoofdtaak van de kunst van het ervaren is niet de uiterlijke kant van het leven van de held te realiseren, maar de kijker zijn innerlijke wereld over te brengen, die ook bedoeld is om de productie levendiger te maken. Om dit te doen, moet de acteur zijn eigen gevoelens kunnen overbrengen en aanpassen aan de behoeften van het personage. Dit wordt bereikt door de ontwikkeling van de voorgestelde omstandigheden van de rol, gebeurtenissen, acties, de eis om tijdens elke verklaring een emotionele reactie te zoeken. Dit is wat de kijker vangt.
In de kunst van het weergeven is de authenticiteit van het ervaren van een afbeelding slechts één of meerdere keren belangrijk om een mechanische vorm voor hun herhaling te ontwikkelen. Vanzelfsprekend is in dit geval de game beroofd van spontaniteit en improvisatie, waardoor de kijker minder gespannen blijft en hem minder dan ervaring beïnvloedt, maar tegelijkertijd is het expressiever en spectaculairder. De keuze tussen de twee trends wordt bepaald door de aard van het spel, de individuele componenten van de productie, en bovendien de stijl en voorkeuren van de acteur.
Het is dus alleen mogelijk om ondubbelzinnig een lijn te trekken bij het verdelen van theatrale kunst in typen, terwijl een goede acteur op het podium in staat zou moeten zijn om elementen van ervaring af te wisselen met elementen van uitvoering. Bij deze gelegenheid schreef K. S. Stanislavsky: “Alle drie deze gebieden van onze kunst (ervaring, representatie en ambacht) bestaan alleen in hun zuivere vorm in hun zuivere vorm. De realiteit houdt geen rekening met classificaties en combineert acteerconventies met een echt, levendig gevoel, waarheid met een leugen, kunst met een ambacht ... ”
De kunst van het ervaren of wennen aan de rol
De kunst van het ervaren - het vermogen om aan de rol te wennen, het karakter, de gedachten en emoties van je held te begrijpen en hun ware essentie op het podium opnieuw te creëren. "Het doel van de kunst van het ervaren is om een levend leven van de menselijke geest op het podium te creëren en dit leven in een artistieke toneelvorm weer te geven." Ervaring is een van de belangrijkste kenmerken van een echte game. Als een acteur deze kunst bezit, betekent dit dat hij weet hoe hij echte gevoelens kan ervaren tijdens het spelen op het podium, en het publiek gelooft hem. Dit kan niet alleen worden bereikt door middel van ambachten en repetities, hoewel ze zijn ontworpen om te helpen wennen aan de rol.
De ontwikkeling van het vermogen om te ervaren is een moeilijk pad dat loopt door het verbeteren van de vaardigheden van de externe en interne technieken van de acteur. Hij is het meest volledig en tegelijkertijd subtiel verbonden met zijn creatieve talenten. Om een echte ervaring te creëren, heeft hij maximale concentratie, creativiteit nodig, een neiging om niet alleen de artistieke kracht van het personage te begrijpen, maar ook zijn menselijke aard. Dit zijn professionele kwaliteiten die onmisbaar zijn.
In de kunst van het ervaren, is het belangrijkste principe en de vereiste voor de acteur de noodzaak om de rol te realiseren door de 'revitalisering van de geest'. Hij moet het leven van zijn karakter laten zien door zijn eigen gevoelens en emoties, die in de rol zijn geboren en zijn gebaseerd op eerder ervaren en zinvolle door de acteur "visuele, geluids- en andere beelden, ervaren emoties, vreugden, zorgen, allerlei mentale toestanden, ideeën, kennis, feiten en gebeurtenissen. ".
Om dit te bereiken, moet de acteur verschillende creatieve stadia doorlopen in zijn werk over de rol. Al tijdens de eerste lezing van het stuk en de kennismaking met het beeld, moet hij proberen de omstandigheden van de door de auteur voorgestelde regisseur te herscheppen om ze te begrijpen en erin te geloven. Dit is een noodzakelijke voorwaarde voor de verdere geboorte van de waarheid van de ervaringen van de kunstenaar zelf.
De voorgestelde omstandigheden worden bestudeerd door een gedetailleerde analyse van de interne en externe levensomstandigheden van de rol, door de houding van de kunstenaar zelf ten opzichte van de gebeurtenissen in het stuk te bepalen, door zijn vermogen om de held te doen herleven met zijn creatieve verbeelding. Om alles beter te begrijpen, moet je je mentaal verdiepen in de dingen en proberen je ze zo echt mogelijk voor te stellen. In woorden beschreven lijkt dit misschien een eenvoudige taak, maar in feite heb je een lange training van fysieke en mentale apparatuur nodig om het op te lossen. Maar je kunt niet zonder, omdat de acteur alle omstandigheden waarin zijn personage is moet weten (en als ze niet gedetailleerd zijn beschreven - uitvinden). Zonder hun medeweten zullen emoties er gesimuleerd en onafgewerkt uitzien.
Voor het gemak van het bepalen en vervolgen van de voorgestelde omstandigheden, wordt de volgende classificatie voorgesteld:
Type voorgestelde omstandigheid: plaats van actie, tijdstip van actie, wijze van actie.
- De scène is de fysieke organisatie van de ruimte waar evenementen plaatsvinden.
- De tijd van actie is de tijd (van het tijdperk tot een deel van de dag) waarop de acties van het spel zich ontvouwen.
- Manier van handelen - het gedrag van het personage in een bepaald geval.
De "cirkel" van de voorgestelde omstandigheden: klein, gemiddeld, groot.
- Kleine "cirkel": de acties van de held op dit moment (kwam thuis van zijn werk, trok zijn jas uit, trok de ketel aan, ging door de mail bladeren).
- De middelste 'cirkel': de algemene levenssituatie van de held (uit welke functie hij kwam, wat zijn sociale status, positie in de samenleving, leeftijd, communicatiecirkel).
- De grote "cirkel": de mondiale situatie (tijdperk, wereldgebeurtenissen - de actie vindt bijvoorbeeld plaats aan de vooravond van de Eerste Wereldoorlog).
Aanbevelingen om te wennen aan de rol
- Weet je nog hoe we in de kindertijd, toen we een cartoon of een film keken, speelden, onszelf voorstellen dat we de helden ervan waren? Dit is een nuttige acteertechniek. Maak ter voorbereiding op de rol een selectie van boeken en films waarin de hoofdpersonen iets gemeen hebben met je afbeelding. Probeer bij het lezen of browsen niet alleen het spel professioneel te evalueren, maar maak je ook intern zorgen over de held, plaats jezelf in zijn plaats.
- Veel schrijvers zoeken, net als andere kunstenaars, vaak inspiratie in de realiteit. C. Dickens, fascineerde de Engelse lezers met zijn manier - ware beelden afgeschreven van het leven. Hij ging gewoon naar de straten van Londen en keek naar alles: de berisping van de taxichauffeurs, het gedrag van bezoekers aan bakkerijen en apotheken, gewone voorbijgangers, en bracht het over op papier. Een acteur zou hetzelfde moeten doen. Alleen door in echte situaties met echte mensen te communiceren, kun je het echte leven begrijpen en op het podium creëren.
- Over de kwaliteiten van een goede acteur gesproken, we hebben aangegeven dat hij ambitieus moet zijn. Zonder ijver, een oprecht verlangen om perfect een rol te spelen en niet "de kamer te dienen", zal het moeilijk zijn om zelfs maar een schijn van vitale emoties op te roepen. Je moet dit echt willen
- Wees niet bang voor kritiek. Vraag je vrienden om je spel te beoordelen, je prestaties op camera vast te leggen en na een tijdje te bekijken om te bepalen hoe goed of slecht je bent. Op basis hiervan zul je begrijpen wat het waard is om meer aandacht aan te schenken.
- Vaak veroorzaakt opwinding verdoving en voorkomt het de manifestatie van emotie of, omgekeerd, hyperboliseert de manifestatie ervan. Leer ermee omgaan.
- Ervaring en prestaties zijn onderling afhankelijk. V. E. Meyerhold betoogde dat biomechanica belangrijker is dan interne ervaringen. Probeer daarom bewegingen, manier van spreken, leven, stijl van kleding van je karakter te imiteren. We zullen hier hieronder meer over vertellen.
oefeningen
1. Om beter te begrijpen hoe al het bovenstaande in de praktijk werkt, kunt u zich wenden tot een vrij eenvoudige oefening over de voorgestelde omstandigheden die door alle theatrale studio's worden toegepast. Het komt erop neer dat u uzelf in een fictieve situatie 'plaatst' en tot in detail uitwerkt. Meestal stelt de partner de voorwaarden, maar het is niet verboden om dit zelf te doen. Stel je bijvoorbeeld het volgende voor: je hebt geleerd dat je morgen naar voren wordt geroepen. Er is een avond om samen te komen, alle dingen af te ronden, om afscheid te nemen van je vriendin. Denk na over de logica van je acties, hun praktische volheid, gevoelens. Na analyse van de acties en gevoelens.
2. Een uitstekende oefening in de ontwikkeling van verbeelding en begrip van de aard en motieven van de acties van je held. Wanneer je op straat of op een openbare plaats loopt, kun je andere mensen overwegen en bedenken of ze geschikt zijn voor de rol van de omgeving van je personage (vrienden, kennissen, werknemers) of niet. Het is belangrijk om te zoeken naar enkele kenmerken in gebaren, houding, gezichtsuitdrukkingen, manier van praten, het is logisch om de verbanden van deze willekeurige mensen met het beeld uit te leggen.
3. D. Hoffman kreeg op een interessante manier een rol in de cultfilm Midnight Cowboy. Hij veranderde in een bedelaar, wachtte op directeur J. Schlesinger om terug te keren van zijn werk en volgde hem, smekend om een paar cent op een broodtapijt. De regisseur, bekend om zijn ongevoeligheid, bezweek en toen de acteur zich opende, nam hij hem mee naar de hoofdrol. Voor een andere film leefde Hoffman een paar dagen als een dakloos koppel en bracht de nacht door in een park. Dit voorbeeld bevestigt dat je, om de aard van het personage beter te begrijpen, niet alleen moet proberen te denken en te handelen zoals hij, maar je ook in een omgeving moet bevinden die dicht bij de held staat.
Performance art
Het doel van uitvoerende kunst is "de creatie van het leven van de menselijke geest en de weerspiegeling van dit leven in een artistieke en toneelvorm". Zoals bij de kunst van het ervaren, is het de taak om een betrouwbaar en waarheidsgetrouw gevoel te creëren, maar dit wordt op een andere manier bereikt. Ervaring betekent voelen "hier en nu”, Tijdens zowel zelfstandig werk als repetities, en de uitvoering, en de uitvoering is een verfijnde vaardigheid, een gevoel dat eerder is ervaren en tot in de perfectie is gepolijst, een eigenaardige onthouden vorm. Haar acteur en speelt op het podium.
De belangrijkste principes en verschillen van de kunst van het uitvoeren zijn dus:
- De acteur leeft op het podium met herhaalde gevoelens, zich realiserend door middel van technieken en uitdrukkingsmiddelen,
- De ervaring is niet een sterk genoeg artistiek middel, dat bovendien ongrijpbaar is voor de kijker,
- Echte gevoelens op het podium herscheppen is naturalisme, geen kunst.
Hier mag in geen geval de indruk zijn dat de volgelingen van de vertegenwoordigingsschool de kunstmatigheid verdedigen, dat de kunstenaars van deze richting niet overleven en niet proberen de natuurlijkheid van het leven te herscheppen. Dit is niet waar. Hier is hoe Stanislavsky de situatie beschreef: “Een rol wordt door een kunstenaar een of meerdere keren ervaren om de uiterlijke, lichamelijke vorm van de natuurlijke belichaming van het gevoel op te merken. Vanwege de scherpte van het motorische (spier) geheugen, die kenmerkend is voor de mensen van ons beroep, herinnert de kunstenaar zich niet het gevoel zelf, maar zijn zichtbare externe resultaten, niet het gevoel zelf, maar de vorm die het creëert, niet de meest interne gemoedstoestand, maar het lichamelijke motorische gevoel dat ermee gepaard gaat, niet de meest emotionele ervaring en zijn fysieke belichaming. " Met andere woorden, kunstenaars in deze richting proberen ook een echt gevoel te ervaren en te begrijpen, maar niet elke keer dat ze een rol spelen, maar alleen bij repetities, en in een hoeveelheid die voldoende is om een stabiele vorm van representatie van de externe expressie van gevoel te creëren. Als ze later met de kijker praten, wenden ze zich niet langer tot het gevoel zelf, maar tot de mechanica van de manifestatie ervan.
Dit wordt gedaan omdat de beoefenaars van de vertegenwoordigingsschool vertrouwen hebben in de intimiteit van de aard van het menselijke gevoel, dat niet publiekelijk in zijn oorspronkelijke vorm verschijnt, wat betekent dat het niet waar kan zijn. Echte ervaring is alleen mogelijk met jezelf tijdens een eenzame repetitie. Openbare creativiteit draagt niet bij aan de waarheidsgetrouwheid van emoties als gevolg van de imperfectie van "de architectuur, de akoestiek van het theater, de opwindende en dissiperende omstandigheden van openbare creativiteit en andere obstakels die een levend gevoel op het podium doden."
Dit vertrouwen komt ook voort uit de onwil om de realiteit te kopiëren in een theater waarvoor het naturalisme vreemd is, omdat het niets te maken heeft met de verhoging van kunst. De taak van de regisseur en acteurs is niet om het dagelijks leven te fotograferen en zijn nuances over te dragen op het podium. “Kunst moet volgens de tweede richting beter, mooier zijn dan de meest bescheiden natuur, het moet de realiteit verbeteren. Het theater heeft niet het meest echte leven met zijn echte waarheid nodig, maar een schilderachtig mooie conventie die dit leven idealiseert. ”
Uit dergelijke overtuigingen werden het "voorwaardelijke theater" en de biomechanica van V. М. Meyerhold geboren. Hij was er zeker van dat de innerlijke reïncarnatie volledig afhangt van de reïncarnatie van het uiterlijke, dat het gevoel secundair is, omdat alleen het vermogen om correct een pose, gebaar, intonatie te vinden en te creëren de perceptie van het beeld door de kijker en het uiteindelijke succes van de voorstelling indient.
De kunst van het presteren hangt volledig af van de vaardigheid waarmee de acteur de basisvaardigheden en uitdrukkingsmiddelen (podiumbeweging, toneeltoespraak en openbare eenzaamheid, emotioneel geheugen, enz.) Beheerste. Zoek naar aanbevelingen voor hun ontwikkeling in het thematische gedeelte van de blog. Praktische oefeningen worden ook verzameld in afzonderlijke artikelen:
Als gevolg hiervan citeren we de woorden die het boek van K. S. Stanislavsky "Werk van de acteur op zichzelf" beëindigden: "Alleen het systeem kennen is niet voldoende. We moeten kunnen en kunnen. Dit vereist dagelijkse, constante training, oefening gedurende de artistieke carrière. Zangers hebben vocalises nodig, dansers hebben oefeningen nodig en podiumartiesten hebben training en oefening nodig volgens de instructies van het "systeem". Wil het hard, doe dit soort werk in het leven, leer je aard kennen, discipline het, en als je talent hebt, word je een geweldige kunstenaar».
Inderdaad, in het leven, in tegenstelling tot theater, kunnen we niet constant oefenen en repeteren. Daarom, om je eigen kunst van het ervaren en presenteren te verbeteren, moet je niet alleen de verzamelde aanbevelingen volgen en individuele oefeningen uitvoeren, maar ook naar de wereld kijken als een acteur, constant observeren, je emotionele horizon verruimen en je gevoelens onthouden.
Test je kennis
Als je je kennis over het onderwerp van deze les wilt testen, kun je een korte test maken die bestaat uit verschillende vragen. In elke vraag kan slechts 1 optie correct zijn. Nadat u een van de opties hebt geselecteerd, gaat het systeem automatisch verder met de volgende vraag. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.
1. Погружение в другую реальность
Актерам важно уметь быстро переключаться с одного психологического состояния на другое. Чтобы натренировать эту гибкость, в Голливуде практикуют прием «чашка кофе» по методу Ли Страсберга. De essentie van de methode is om het denkbeeldige snel te kunnen vertalen naar de realiteit. Denk bijvoorbeeld in de metro aan het gevoel van ochtendkoffie in detail: de warmte, kleur, smaak, geur. Zo kunt u naar uw ochtend of een ander moment worden vervoerd, terwijl u zich op elke plaats en onder alle omstandigheden bevindt. Deze techniek is eigendom van Angelina Jolie, Al Pacino en Scarlett Johansson.
2. Menthol voor tranen
Er wordt aangenomen dat de acteurs, die zich in de toestand van een personage stort, gemakkelijk elke emotie kunnen spelen, of het nu gelach, woede of verdriet is. Maar tranen komen er niet altijd uit. Om te huilen, herinneren sommigen zich aan hun falen, knipperen niet lang of druppelen een vloeistof met mentholkristallen in hun ogen.
Hoe wennen aan de rol?
Leven in een rol voor acteurs is geen gemakkelijke taak. Zelfs komische, schijnbaar eenvoudige rollen zijn niet zo eenvoudig als het lijkt voor ons, gewone mensen. Om hun rol perfect te vervullen, moeten de sterren lijden en de meest echte ontberingen doorstaan. Individuele acteurs staan klaar om afstand te doen van alles wat door buitensporige arbeid wordt verworven om aan de rol te wennen.
Acteur Adrian Brody verkocht bijvoorbeeld zijn appartement in Manhattan, een auto en een mobiele telefoon om te wennen aan de rol van een arme Poolse pianist die verpletterd was door de nazi's. Daarna huurde hij een muziekleraar in en leerde hij foutloos Chopin spelen. De filmset snikte en de regisseur waardeerde zijn inspanningen.
Dustin Hoffman bracht de nacht door in het stadspark voor een rol in de film Marathon Runner. De inspanningen waren niet tevergeefs - de marteling van de held door nazi-criminelen leek erg realistisch. En om de perfecte kreupelheid te berekenen, legde de acteur een scherpe kiezelsteen in zijn laars. Enige tijd later won Hoffman de cultusrol van Razo Rizzo in de film Midnight Cowboy, nadat hij zichzelf had geregeld om de producent te ontmoeten, gekleed als een bedelaar op de hoek van een van de straten van Manhattan. Niet gevoelig voor sentiment, greep de producent onmiddellijk in zijn zak voor een mooie cent op een korst brood. En toen de acteur onthulde, kreeg hij in plaats van een cent een contract voor een miljoen.
Voor de rol van een bokser in de film 'Knockdown' werkte Russell Crowe een maand lang samen met coach Mohammed Ali. De coach hielp Russell snel leren boksen, maar verwachtte niet dat Crowe zo betrokken was bij deze sport dat hij zelfs een typische "boksende" schouderblessure zou oplopen.
Actrice Renee Zellweger voor de succesvolle rol van een dikke verliezer moest veel aankomen en vervolgens ... de hele vergoeding van het filmen besteden aan fitness en dieet. Maar iedereen kent dit verhaal al. Maar voor de rol van Bridget Jones heeft de actrice ook anoniem aangenomen om te werken voor de uitgeverij Picador. Om te wennen aan de rol van een filoloog die probeert in te breken in de uitgeefbranche, moest ze het Texas-accent kwijtraken en haar kapsel veranderen. Renee bleek een meester in reïncarnatie te zijn - niemand herkende de beroemde actrice op de nieuwe werkplek.
Leonardo di Caprio bereidde zich voor op de rol van Howard Hughes in de film Aviator en las alle boeken over deze miljonair en memoreerde zijn biografie. In het leven leed Howard Hughes aan manische obsessie met bepaalde objecten of acties. Daarom ging Leo voor de authenticiteit van het beeld op een bepaalde manier door dezelfde deuren naar buiten, stapte meerdere keren op één kauwgom op het asfalt en liep in een poging niet op de voegen tussen de tegels te stappen. Om het plaatje compleet te maken, zat Leo aan het roer van het vliegtuig en begon hij pilootlessen te volgen. Tussendoor trok de acteur zich terug en probeerde met niemand te praten, net als zijn neurosthenische held. Het is goed dat Leo onlangs de gewoonte heeft gekregen om aan de rol te wennen. Het is nog onbekend wat hij zou gaan doen voor de rol in de film "Total Eclipse", waarin Di Caprio de homoseksuele schrijver Arthur Rimbaud speelde.
Comedian Sasha Baron Cohen is een van de grootste meesters in termen van wennen aan de rol. Toen Cohen na zijn studie besloot komiek te worden, begon hij vrienden en vreemden op straat op te pikken en te parodiëren. Het prototype van de brutale rapper Ali Ji was bijvoorbeeld de DJ, de zoon van een priester die echt als een gangster wilde zijn. Sasha kocht een trainingspak met Lurex, een enorme gouden ketting, bril met gele bril en ging naar buiten. Voor de rol van een onwetende Kazachse journalist heeft Borat Cohen zijn haar niet geknipt en geschoren gedurende 6 weken, een vechtpartij gemaakt in een hotelkamer in Manhattan en ruzie gemaakt met de autoriteiten bij het Witte Huis. Om de Italiaanse kapper in de musical Sweeney Todd te spelen, moest Sasha 14 uur leren scheren. Cohen beweert dat hij niets te maken heeft met zijn personages, ze hebben een gescheiden leven. Sasha (in tegenstelling tot Borat, Ali G en Bruno) geeft bijna nooit interviews, maar zijn personages zijn blij. En in gesprekken met verslaggevers schelden de personages hun "meester" over wat het licht staat. Sommige collega's in de winkel weten zeker dat Cohen schizofrenie heeft, terwijl anderen hem als een genie beschouwen.
